Indische Kunst – Einführung in die Moderne

Von den Briten wurde die bildende Kunst als europäisch angesehen. Dies bestärkte sie in der Ansicht, dass es den Indern an Ausbildung und Sensibilität mangelte, um die bildende Kunst zu schaffen und schätzen zu lernen. Erst Mitte des 19. Jahrhunderts kam es zur Gründung von Kunstschulen in den Großstädten wie Lahore, Kalkutta, Mumbai (einst Bombay) und Chennai (einst Madras). In den Kunstschulen ging man dazu über, traditionelles indisches Kunsthandwerk sowie die akademische und naturkundliche Kunst zu fördern, von denen der viktorianische Geschmack widergespiegelt wurde. Ebenfalls wurde das indische Handwerk gefördert, welches sich ebenfalls am europäischen Geschmack orientierte und den Anforderungen des Marktes entsprach.

Raja Ravi Varma – der „Vater der Modern Indian Art“

Raja Ravi Varma, auch bekannt als „Der Vater der modernen indischen Kunst“, war ein indischer Maler des 18. Jahrhunderts, der Ruhm und Anerkennung für die Darstellung von Szenen aus den Epen des Mahabharata und Ramayana erlangte.

Er spielte nicht nur mit den Feinheiten von Hell und Dunkel, sondern zeichnete sich auch dadurch aus, dass er erschwingliche Kopien (Lithografien) seiner Gemälde der Öffentlichkeit zugänglich machte. Dies erhöhte seine Reichweite und seinen Einfluss als Maler und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens erheblich.

Geboren wurde er am 29. April 1848 in Kilimanoor, Travancore und starb am 2. Oktober 1906 in Attingal, Travancore im Alter von 58 Jahren.

 

Wissensfakt: Laut dem Limca-Buch der Rekorde ist der teuerste Sari der Welt ein 15-Pfund-Sari mit einem Preis von 100.000 USD, der den Gemälden von Raja Ravi Varma Tribut zollt.

 

Seine Präsenz im Westen kam, als er 1873 den ersten Preis der Wiener Kunstausstellung gewann. Varmas Gemälde wurden auch zur World’s Columbian Exposition geschickt, die 1893 in Chicago stattfand, und seine Arbeit wurde mit zwei Goldmedaillen ausgezeichnet. Er gilt als der erste der Modernisten und zusammen mit Amrita Sher-gil (1913–1941) als Hauptvertreter westlicher Techniken, der eine neue Ästhetik in der subjektiven Interpretation der indischen Kultur mit „dem Materialitätsversprechen im Medium der Ölfarbe und dem Realitätsparadigma des Spiegel-/Fensterformats der Staffeleimalerei“ entwickelte.

Die Arbeit von Varma galt als eines der besten Beispiele für die Verschmelzung indischer Traditionen mit den Techniken europäischer akademischer Kunst im kolonial-nationalistischen Rahmen des 19. Jahrhunderts. Er ist vor allem für seine Gemälde von wunderschönen, in Sari gekleideten Frauen bekannt, die als wohlgeformt und anmutig dargestellt wurden. Varma wurde der bekannteste Allegorist indischer Themen in seiner Darstellung von Szenen aus den Epen des Mahabharata und Ramayana.

Raja Ravi Varma betrachtete seine Arbeit als „die Schaffung einer neuen zivilisatorischen Identität innerhalb der Bedingungen Indiens des 19. Jahrhunderts“.  Er zielte darauf ab, einen indischen Kunstkanton nach Art der klassischen griechischen und römischen Zivilisationen zu bilden. Varmas Kunst spielte eine wichtige Rolle in der Entwicklung des indischen Nationalbewusstseins. Varma kaufte eine Druckerpresse, die am laufenden Band Oleografie-Kopien seiner Gemälde herstellte, die viele Jahrzehnte nach seinem Tod die Häuser der Mittelklasse in Indien zierten. In seiner Blütezeit als Genie betrachtet, wurden Varmas Gemälde innerhalb weniger Jahre nach seinem Tod strengen Vorschriften unterzogen, weil sie westliche Kunst nachahmten.

Moderne Kunst in Indien ab Mitte des 20. Jahrhunderts

Mitte des 20. Jahrhunderts war Indien ein neues demokratisches Land, das aus dem Subkontinent herausgeschnitten und vom indischen Nationalkongress geführt wurde. Während dieser aufkeimenden Periode der Unabhängigkeit versuchten ihre Bürger, ihre Freiheit zu definieren und ihren Daseinsgrund zu verstehen. Der kulturelle Bereich war stark politisiert. Autoren schrieben Geschichten und Gedichte, die die Art und Weise kritisierten, wie nationalistische Führer mit den Ereignissen umgingen, die zur Unabhängigkeit und der Teilung Indiens und Pakistans führten. Innerhalb der aufkeimenden Kunstszene stellten sich Künstler als moderne und säkulare Praktiker vor. Einige waren politisch, während viele andere sich mit formellen Fragen befassten. Einige nahmen indigene Traditionen auf, während andere sich Kunstpraktiken von außerhalb Indiens zuwandten.

Die Bombay-Progressiven

In den 1930er und 1940er-Jahren waren eine Reihe kommunistischer Gruppen in der kulturellen Arena Indiens aktiv. Zusammen mit Theaterschaffenden und Schriftstellern schlossen sich bildende Künstler unter dem Banner „progressiv“ zusammen und identifizierten sich mit dem Marxismus. 1947 gründeten Francis Newton Souza (1924–2002), Maqbool Fida Husain (1915–2011) und andere in Bombay die Progressive Artists’ Group. Sie hatten linke Neigungen, lehnten die nationalistische Kunst der bengalischen Schule ab und nahmen internationale moderne Kunstpraktiken an.

Im Laufe der Jahre erlangte Souza internationale Bekanntheit für seine erotischen und religiösen Gemälde, die von einer Vielzahl von Stilen geprägt waren, darunter Expressionismus, Surrealismus, Kubismus und Primitivismus. Husain hat auch in einer Reihe internationaler Malmodi gearbeitet. Durch die Progressive Artists‘ Group kam er mit der Kunst der Europäer in Berührung, darunter Emil Nolde und Oskar Kokoschka. Seine Arbeit bewahrt jedoch Spuren indigener Traditionen, insbesondere hatte er ein anhaltendes Interesse am indischen Kino. Husain finanzierte sich zunächst als Künstler, indem er Kinoplakate malte. Später drehte er Filme und stellte zeitgenössische Filmstars in seinen Gemälden dar.

„Lebendige Traditionen“

G. Subramanyan (1924–2016) erfand Traditionen, indem er zeitgenössische Kunst mit Populärkultur und Volkskunst mit urbanen Trends konfrontierte. Er studierte bei Nandalal Bose in Santiniketan außerhalb von Kalkutta. Diese vom Dichter Rabindranath Tagore gegründete Kunstschule legte großen Wert auf indische Traditionen und Kunsthandwerk. Subramanyan gab sein Wissen sowohl in der populären als auch in der bildenden Kunst an neue Generationen von Künstlern weiter. Sein Einfluss erstreckte sich weit und breit durch seine Schriften zur Kunsttheorie und Lehre an der Maharaja Sayajirao Universität in Baroda (eine wichtige Kunstabteilung, die 1949 eingeweiht wurde).

Abstraktion, Minimalismus und figurative Malerei

Beim ersten Blick auf die Werke einer Reihe moderner indischer Künstler scheint sich ihre Bildsprache kaum von Kunst aus anderen Teilen der Welt zu unterscheiden. Dennoch beeinflusst ihr kulturelles Erbe ihre Arbeit, auch wenn es nicht offensichtlich ist. In seinen ätherischen abstrakten Gemälden atmen und pochen die Farbfelder von Natvar Bhavsar (geb. 1934). Obwohl er in den 1960er-Jahren nach New York zog und ein Zeitgenosse der Maler des Abstrakten Expressionismus war, beeinflusste die indische Kultur seine Arbeit weiterhin – der Hinduismus leitete beispielsweise seine Verwendung von Farben.

Nasreen Mohamedi (1937–1990) fertigte minimalistische Tuschezeichnungen an. Die nachhallenden Linien in ihrer Arbeit erinnern an indische Musik, und sie wurde von den klaren Formen der islamischen Architektur und des Designs beeinflusst. Die figurative Arbeit von Arpita Singh (geb. 1937) besteht aus Pigmenten und sehr wenig Öl, um Kuchen aus pastoser Farbe zu bilden. Diese lückenhafte Qualität bezieht sich auf die Volkskunst der Steppdecken in Indien. Und Krishna Reddy (*1925) spielte in den 1950er-Jahren in Paris mit verschiedenen Drucktechniken. Er fühlte sich in diesem Umfeld frei im Gegensatz zu Indien, das nach Jahrhunderten der Fremdherrschaft gerade das Licht der Freiheit erblickt hatte.

Fotografie

Ebrahim Alkazi ist bekannt für sein visuelles Auge, seine theatralische Beherrschung und sein tiefes Interesse an der Beziehung zwischen Kunst und Theater. Er erhielt den „Living Treasures of Bombay Award“ als Anerkennung für seinen Beitrag zum kulturellen Leben der Stadt. Als Direktor der Art Heritage Gallery in Triveni Kala Sangam war er einer der ersten Förderer von Künstlern wie Maqbool Fida Husain. Alkazi besitzt heute eine der größten Privatsammlungen historischer Fotografien, Sepia International, die ihren Sitz in New York City hat.

Während seines kurzen Lebens veröffentlichte Raghubir Singh (1942–1999) über zwölf Bücher mit Farbfotografien aus den verschiedenen Regionen Indiens (1991–1282). Singhs Bücher sind normalerweise einer geografischen Region oder einem Gebiet wie Rajasthan, Kaschmir und Bombay gewidmet und rahmen das zeitgenössische Indien in einen historischen und legendären Kontext ein. Farbe ist ein wesentliches Werkzeug in seinen unverfälschten Bildern des Alltags.